Aujourd’hui, comment aborder les thèmes du vivant et de ce qui s’apparente à la peau, mais aussi aux viscères ou aux sucs ? Comment questionner la représentation ou le genre humain ? Par des médiums et approches qui, au premier regard, peuvent sembler contraires, Agata Ingarden et Motoko Ishibashi nous enjoignent à apprivoiser leur territoire, jouant d’une certaine intimité et d’un mystère préservé.

Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2018, Agata Ingarden dévoile quatre sculptures, dont une Venus qui pourrait avoir atterri d’un vaisseau spatial. Vénus, on le sait, est l’archétype du modèle féminin, renvoyant à cette petite statuette du paléolithique tout en rondeur, à la plus classique déesse romaine de l’amour et de la beauté, voire à l’une des quatre planètes telluriques du système solaire, composée essentiellement de roches et de métal. L’artiste utilise ici du métal peint, du cuivre, du silicone, du caramel, des coquilles d’huîtres, ajoutés à des miroirs. Son matériau est souvent brut et respecte ses qualités intrinsèques, référant autant aux origines qu’à une vision futuriste. « Pour cette exposition, débute Agata Ingarden, j’ai souhaité réfléchir à des notions de beauté et de féminité. J’ai beaucoup pensé à Blade Runner, une référence depuis toujours, et à Rachel, qui est un répliquant, défini dans le film comme une simple expérience. J’en ai conçu un parallèle avec la représentation symbolique de Vénus. Mais du personnage, ne réside peut-être que l’absence d’une femme qui disparaît, coule sur elle-même, tout en s’auto-générant, dans un système inédit de fertilité. » A cette référence à Ridley Scott, on ajouterait Alien, long-métrage fondateur pour nombre de plasticiens de sa génération, hantés par ces images d’une espèce inconnue, viscérale, tout aussi dégoûtante que fascinante. Ces ailleurs renvoient à la fantasmagorie de l’espace et aux narrations très ouvertes, élaborées par un long travail manuel à l’atelier ou de nombreuses heures écoulées devant l’ordinateur. Agata Ingarden s’intéresse, sans hiérarchisation, à la nature – elle l’a déjà montré par ses papillons ou insectes cristallisés – et aux nouvelles technologies, se plaçant dans les pas d’un Philippe Parreno. D’instinct, le lien se fait alors avec Pierre Huyghe, avec lequel il avait créé Ann Lee, héroïne manga qui gagna une existence animée ou la possibilité d’être jouée sous les traits d’une « vraie » petite fille. Comment ne pas voir, ainsi, de familiarités avec les personnages de Motoko Ishibashi ?

Cette plasticienne a débuté par une approche esthétique et philosophique de l’art à Tokyo, avant de poursuivre par l’étude de la peinture, jusqu’en 2015 au Royal College of Art de Londres, où elle vit encore. Elle rappelle avoir grandi à une ère ancrée dans la culture manga et dominée par des films tels qu’Akira, Metropolis (de 2001) ou Ghost in the Shell (de 1995). « Puis dans toutes les séries, précise-t-elle, un protagoniste féminin, doté de superpouvoirs, se battait contre une invasion d’extraterrestres ou la venue de l’Apocalypse. Agées d’une quinzaine d’années, ces héroïnes imposaient une sexualité débordante, enveloppée le plus souvent de vêtements léopard… D’une certaine manière, ces filles ont intégré ma peinture avec leur séduction exacerbée, leur poitrine généreuse et leur musculature apparente, mais toujours à la frontière de l’humain et du cybernétique. Cela m’intéresse quand la figure se positionne entre l’objet de désir et la destruction immanente.»
Ses travaux récents, à l’exemple des quatre nouvelles toiles proposées à la galerie PACT, évoquent davantage la concubine – nommée par exemple Cassia – se maquillant ou étant langoureusement allongée en attendant la pénétration d’un masque hydratant, au sein d’un rituel quotidien de beauté. Les tons sont doux, presque atones, au cœur de visages impassibles, sans âge défini. Les bouches entre-ouvertes sont autant un signe de lascivité, voire un reflet de l’érotisme des poupées gonflables, que d’un discours en train de naître. Quand l’entre-jambe revêt le caractère phallique de l’homme. Les figurants de Motoko Ishibashi ne se rapportent à personne en particulier, mais à une idée générique à partir de laquelle peuvent découler narration et large interprétation.

Pour cette exposition « Rachel Is », les deux artistes dialoguent sur l’idée de présence et d’absence du modèle féminin, également dans l’histoire de l’art. Les miroirs des sculptures d’Agata Ingarden réfléchissent les cadrages serrés, donc laissant imaginer la suite de la chorégraphie, de Motoko Ishibashi. Ces peaux nous introduisent dans différentes couches et surfaces. La pâte du peintre est assez sèche – proche d’un Michaël Borremans – car elle ne souhaite pas que l’on se perde dans les détails de sa matière, tandis qu’Agata Ingarden nous pousse à intégrer la sienne. Elle a souvent travaillé le caramel, dont la densité évolue en fonction de la température environnante et l’avait même inauguré à New York, en enjoignant non plus un spectateur ou un regardeur, mais un goûteur, à lécher le nectar. Ces substances réfèrent à des bacchanales contemporaines qui se situeraient dans un présent contrarié et angoissé.

Ces pièces montrent que l’espèce demeure obsédée par ses passions primaires ou primitives, tout en étant inquiétée par le monde qui l’entoure; et si le titre de l’exposition lie de manière directe à la Rachel de Blade Runner, cette dernière est repensée dans une lecture féministe. « Créée par un homme, pour servir les hommes », souligne Motoko Ishibashi, qui avait été fortement marquée, adolescente, par cette première fiction américaine traitant des thèmes rétro-futuristes ou cyberpunks. Agata Ingarden a aussi été, comme, infiltrée par les images de ce film, jouant à faire de sa Vénus un répliquant qu’elle a même recouvert de silicone, matériau aujourd’hui incorporé dans la chair humaine, par rapport à sa première version.

Ensemble, ces travaux instaurent une scène avec décor et personnages, sortes de figures cachées ou en creux qui tendent le temps et suspendent le mouvement. Ces protagonistes se dévoilent telles des mariées mises à nu qui s’apprêteraient ou se prépareraient à l’offrande, avant qu’elles ne fassent, peut-être, le choix de plutôt s’éclipser…

Marie Maertens